Il n’y a rien de tel que la solitude de ma chambre noire à l’aube, le bourdonnement de mon agrandissement en arrière-plan, et l’image apparaissant lentement sur le papier dans mes mains. Pour moi, la photographie est plus que capturer un moment – c’est un voyage méditatif dans la lumière, l’ombre et la forme.

Il est trois heures du matin Bach ou Mozart joue doucement en arrière-plan. Une image de «Morning Light sur les tours, le district des aiguilles» apparaît lentement sur le morceau de papier alors que je le masse doucement dans un plateau de produits chimiques sous la douceur ambre douce d’une bonne lumière. Le fan de mon élargissement bourdonne doucement en arrière-plan. Dans mon esprit, c’est de cela qu’il s’agit de la photographie. C’est, pour moi, après tout, une entreprise solidinale. Je crée dans une atmosphère de Quiety – Quietness et Solitude. C’est là que je pense le mieux, à la fois sur le terrain et dans ma chambre noire, et où je peux me concentrer le plus facilement. En fait, dans une large mesure, je perds la trace du temps. C’est donc avec but qu’il n’y a pas d’horloges dans mon espace de travail calme et sombre.

Des mois plus tôt, j’avais porté mon sac à dos de plus de cinquante livres dans l’obscurité tôt le matin à la recherche de cette images et d’autres. Après avoir repéré cet endroit la veille, je pensais que je savais où je voulais être le lendemain matin, pré-sunrise. Je pensais que je pourrais obtenir une composition prometteuse, mais vous ne savez jamais avec certitude jusqu’à ce que vous soyez là et dans le moment. J’ai rapidement mis en place mon appareil photo, édité la composition, déterminé l’exposition que je pensais donner les meilleurs résultats et j’ai attendu que le soleil fasse son apparition matinale. Lorsque le soleil était dans la bonne position, y compris une lune couchée, j’ai exposé le film. À partir de là, le film a été transporté dans ma chambre noire, traité à la main, et a été épilée, et maintenant je suis en train d’extraire l’image que je connais se cache à l’intérieur du négatif.

La création et l’impression de grandes photographies en noir et blanc, voire bonnes, exigent un engagement. Ce n’est pas pour les faibles du cœur, les faibles du genou ou les non engagés! La récompense de tous ces efforts est une image sur le mur dont les points forts reflètent doucement les détails de l’image et dont les ombres brillent dans la subtilité. Ils évoquent presque toujours une réponse émotionnelle. Vous ne pouvez pas simplement «les prendre ou les laisser».

Une tâche principale dans la photographie en noir et blanc consiste à éliminer les éléments inutiles et inutiles. La photographie en noir et blanc est, par nature, un milieu plus abstrait que la couleur. La suppression de la couleur de l’équation permet de réduire la scène représentée à ses éléments les plus élémentaires, en supprimant la chose qui interfère le plus souvent avec la compréhension du matériau: la couleur.

En réalité, une photographie n’est pas vraiment noire et blanche, bien que ce que nous l’appelons. Une grande photographie en noir et blanc peut avoir une gamme de tons qui vont de très sombres, ou très, très sombres, avec des détails mais pas du noir, des tons qui sont très légers, abordant ce que nous appelons le papier blanc, mais pas Un blanc absolument blanc, sans détail. La photographie en noir et blanc est un médium en soi et ne devrait pas, comme cela ne doit souvent être une réflexion après coup ou le sous-produit d’une photographie couleur qui n’est pas de couleur. Il y a de fortes chances que si elle est mauvaise de couleur, ce sera mauvais en noir et blanc aussi. Je travaille en noir et blanc comme une action utile, et parce que je photographie de cette façon, en utilisant principalement un film en noir et blanc, la décision sur le terrain et au moment de l’exposition est de créer une image en noir et blanc pour mon mur ou le mur de quelqu’un d’autre.

(Au fait, et pour ce que cela vaut, je publierai un article dans un avenir proche sur une méthode que j’utilise pour fabriquer mes images en noir et blanc lorsque je commence par un original numérique. Il y a des moments où l’utilisation d’un grand -La caméra de film n’est pas pratique.

Cette image a été réalisée à l’aide d’une caméra Canon 6D et d’un objectif Canon 24-105 mm. Des phénomènes comme ce changement et disparaissent très rapidement, alors j’ai attrapé la caméra et le trépied qui étaient les plus proches de moi pour le moment. La conversion en noir et blanc a été effectuée complètement à l’aide de Photoshop.

Pour moi, le noir et blanc a une capacité beaucoup plus grande pour l’expression de soi qu’une image couleur, mais c’est probablement plus une question de préférence personnelle. Étant donné que la photographie en noir et blanc est mon arrière-plan, c’est ma position par défaut habituelle. Travailler avec un film noir et blanc signifie que je dois vraiment ralentir et réfléchir à ce que je représente. Je passe tout mon objectif à ce moment-là sur la composition que je construis. Cela m’oblige à me concentrer sur la lumière: comment se passe-t-il sur le sujet? Quel est le motif de la lumière? Je veux presque toujours un schéma de lumière très organisé, et l’obtention de cela m’oblige à accorder une attention particulière aux détails de la composition – forme, ombre et surligion, texture, et comment les éléments fonctionnent ensemble ou les uns contre les autres pour former une image cohérente Sans les distractions des couleurs hyper saturées ou désaturées.

Il y a une opportunité beaucoup plus grande en noir et blanc pour qu’un objet «se transforme» en «ce qui est», perdant tout sens de l’échelle ou de la proportion. Être réduit à la forme pure et aux éléments du design permet à l’art et à l’artiste de produire des images émotionnellement évocatrices.

Je place ces deux photographies à proximité, et je les titre ensemble comme «enchevêtrement». Même s’ils sont à plus de mille kilomètres l’un de l’autre – plus comme 1 500 miles – il y a de grandes similitudes, et une partie de ce que j’essaie de faire est de voir ces similitudes et de les montrer. Lorsqu’un artiste photographique entre sur le terrain pour produire des images en noir et blanc traditionnellement transformées, surtout lorsqu’ils utilisent des caméras à grand format, ils doivent, nécessité, être très attentifs. Je me déplace très lentement, surtout dans un nouveau territoire avec du matériel auparavant inconnu, essayant d’être aussi concentré que possible sur le matériel que je pourrais vouloir représenter. (Avec l’image sur le côté droit, il y avait un gars debout à proximité qui était frustré en ne voyant rien, en se plaignant et en voulant parler de la déchets de l’appareil photo. Mais là-bas, c’était … des photos, et je n’avais pas le temps de parler. En fait, j’entre presque un état méditatif où une image commence à se révéler à moi, presque intuitivement. J’entre dans une zone et je n’entends honnêtement pas les gens à proximité qui se détourneront de rien. Le processus exige que je fasse attention à mon matériel – le côté artistique – puis fait attention aux détails techniques – le côté technique ou l’artisanat.

Lorsque le monde entier est numérique, pourquoi toujours analogique?

Je ne suis pas anti-technologie. En effet, dans mon travail commercial, je travaille dans un environnement numérique et cela me sert bien. Ce que je sais aussi, c’est que le travail en utilisant des méthodes et des matériaux traditionnels maintient un lien entre moi et les photographes classiques vivants. Travailler comme moi, en utilisant de grandes caméras et un film noir et blanc, me nécessite de ralentir. Une journée de travail très acharnée – avant la première lumière jusqu’à la baisse du soleil et qu’il est en semi-globe – pourrait produire une douzaine d’expositions différentes et uniques lors d’une bonne journée. Le plus souvent, il n’y aura que quatre ou cinq expositions.

Un bon photographe, travaillant très dur, peut produire 12 œuvres importantes dans un an. Un écart assez actuel en pensant que tout ce que j’ai à faire pour produire de meilleures photographies est d’obtenir le corps et l’objectif et les lentilles de l’appareil photo le plus récent, et j’obtiendrai automatiquement de meilleures photographies. Pas quand le maillon le plus faible de l’équation est vous! Je crois que jusqu’à ce que vous connaissiez vraiment, vraiment votre matériel, votre appareil photo et votre film, et ce qu’ils feront dans des conditions variables, toutes les très bonnes photographies que vous produisez sont plus un produit de votre chance que de votre œil créatif et de votre technique développée.

Chaque itération successive d’une photographie que je traite dans ma chambre noire est le résultat de décisions prises sur la version précédente. Une impression initiale est faite, en fonction de mon meilleur jugement à propos de ce négatif. Lorsqu’il est tiré du fixateur, il est placé sur une feuille de plexiglas et déplacé vers une zone pour l’évaluation. Il est examiné pour déterminer s’il est trop clair, trop sombre ou juste à droite; L’impression initiale est rarement «juste». Qu’en est-il du niveau de contraste? Y a-t-il trop ou trop peu? Y a-t-il des zones de l’impression qui doivent avoir le niveau de contraste augmenté ou abaissé, rendu plus léger ou peut-être brûlé? Tous ces facteurs doivent être évalués avant l’arrivée d’une empreinte finale. Ensuite, une fois que ces questions ont été répondues et qu’une solution est arrivée, il est temps de produire l’impression finale. À condition que j’aie enregistré toutes les étapes correctement et les exécutées parfaitement, peut-être dix ou plus, l’image est arrivée.

Cependant, peu importe à quel point j’essaie de faire la photographie parfaite, c’est probablement un objectif insaisissable. Les erreurs sont une partie inévitable du processus. Les faiblesses, les erreurs et les émotions font partie de la photographie finale. Ils sont une partie inextricable de l’équation. C’est l’une des choses qui sépare une photographie en noir et blanc imprimé à la main de celle produite numériquement. Lorsque vous voyez une photographie accrochée à un mur et que vous voyez les petites erreurs – peut-être une tache noire causée par un morceau de poussière qui se trouvait à l’intérieur d’un porte-film, ou une petite rayure blanche sur l’image causée par des dégâts de film – vous pouvez savoir, À cette époque, qu’il s’agit d’une photographie imprimée à la main. Autant que nous travaillons pour éliminer ces choses, ils seront toujours là parce que cette photographie a été produite aux mains de l’artiste.